简介:本文是艺术和美术类有关论文范文资料与绘画方面论文写作技巧范文.
〔摘 要〕中西方绘画风格特点的不同归结于有不同的历史文化背景.本文以花卉为文章切入点,从中西方美术史中分析和梳理中西花卉题材.提出花卉的“形色”和“神”在绘画意象中的融合.通过对中西方花卉题材的具体表现加以分析和整理,发掘更有深度的绘画语言和艺术特点.
〔关键词〕静物画；中西花卉题材；当代女性画家
在艺术多元的当下,花卉绘画有着不同的理解方式和表现方式.花,经常被当作描摹的对象出现在油画当中,被赋予了诸多的含义,还有更多的象征寓意.有人将花比作女人,比情,比作母性.花店还会将花赋予各种各样的“花语”.本文以自己的创作实践为出发点,将花的“形色”与“神”呈现,探索和寻找将花卉题材作为艺术创作的主题.同时,从大量西方和中国油画家作品中观察他们描绘花卉.
一、中西绘画中的“形色”
1.在中国美术史中,花卉植物形态的样式在不同的美术作品中均有不同的表现.花卉植物的样式被原始先用在生活实践中,如,庙底沟、河姆渡、大汶口彩陶上的叶纹.先秦美术中青铜器的纹饰植物纹.他们的植物纹样在形成过程中保持有植物原有的生态特征,表现在器皿上是该植物的自然形态.秦汉至盛唐,中国花卉渐盛,其中吴道子善人物山水草木.使花鸟成为独立的绘画形式,有薛稷,边鸾画名贵花卉禽鸟.宋代花鸟是古代花鸟画发展的昌盛时代,崔白,宋徽宗,文人士大夫如：杨补之的墨梅,赵孟坚尤善白描水仙,郑思肖的墨兰,法常写意花鸟.这时的花卉植物的形态根据不同作者的主观感受融入了作品中,有了不同的寓意.不单单只是花卉植物形态的描摹,有“似与不似”“以形写神”的艺术观.齐白石老先生说的“太似为俗媚,不似为欺世,妙在似与不似之间”.清代花鸟画家恽南田说“古人笔法渊源,最最不同处最多相合”.《画耕偶录》沈宗骞说“凡物得天地之气以成者,莫不各有其神”.
2.在西方名作中的花卉,西方的景物画,大约在古希腊时期就已经产生了,其起源还可以追溯到爱琴海美术中的陶器彩绘.早在15 世纪,尼德兰的画家如凡·爱克兄弟等即有善于表现各种物质特性的传统和兴趣.他们所描绘的金属、丝绒、玻璃等就具有逼真的质感.可是,这些东西过去只被用作宗教画或肖像画中的道具和背景.随着欧洲文艺复兴运动的发展,于是静物画作为独立的绘画题材在17世纪再度兴起并正式成为西方绘画的重要样式.在众多的大师们的努力下,将这一画种从色彩到形式,从内容到造型,推向高峰.笔者把他们概括为以下几类：一类是古典油画景物中的花卉,其中以独画的方式描绘的花卉,以插花式的花瓶、品类繁多的蔬果鱼肉和擦得闪闪发亮的日用器皿.这些画作追求刻意求工,也不只是对于各种物质特性单纯地“模仿”,它们还是表现了人们的生活状态、人们的精神需要和对于生活的理想.第二类是花卉作为背景在大幅宗教画中花卉被赋予了不同的寓意.如物理学家大卫·多伊奇（Did Deutsch）则认为花朵承载着一种客观的美：它们颜色和谐、线条柔和、形式对称,这是人们所追求的.不管具体原因是什么吧,长期以来,人们确实对花倾注了个人、文化以及宗教情感.第三类是植物书中的花卉插图,插图画家们描绘的都是植物的典型样貌,不会存在花朵枯萎或者叶子被虫蛀的情况——即,他们摒除了每一个具体的植物瑕疵,将每个标本的优点集于一身.画完之后,他们会将花瓣摘下来,通过显微镜观察花朵内部的解剖结构.这是一个将艺术和科学联系在一起的实践形式.第四类是突出表现主观感受的画家.法国画家马奈为此做出了卓越的贡献.在他一生创作的全部作品中,有五分之一是静物画,他大胆地宣称静物是“绘画的试金石”.印象派画家,如：克劳德·莫奈《睡莲》, 最著名的可能就是梵高了,他在1886年的夏天画了第一幅《向日葵》.乔治亚·奥基芙和花朵作为现代主义者的表现形式,作品《黑色鸢尾花》.奥基芙曾经说过：“如果你手拿一朵花并且认真地观看它,你会发现一个世界”.这个被看作是现代主义之母的画家,将传统的对花卉的描绘转变成了一种先锋艺术.她对花朵的微距观察走到了抽象艺术的边缘,从而迫使观众们慢下来静静享受仔细观察的过程.美国印象主义玛丽·卡萨特《窗台上的丁香花》.安迪沃霍尔的波普花朵,当代波普艺术家村上隆系列作品《微笑的花》.表现主义埃米尔·诺尔德《芍药与蝴蝶兰》.这些画家更倾向于表现自己的主观感受.这些作品不是严谨细密的表现花卉的形态,而是进行再加工,不单单是强烈的明暗对比,或是用奔放的笔触表现强烈的生命气息,或是展示微状态下的局部,或是先用电脑制作再制作.
二、绘画中的“神”的体现
1.笔者在这里说的“神”,并不是宗教题材中的神,而是画面中呈现的一种精神形态,作者所传达的一种审美意趣.
2.纵观中国古代的绘画理论,其中顾恺之在《画论》所说的“传神写照正在阿堵之中”.顾恺之在其《传神论》中又提出“迁移妙得”这一方法.意思是画家在艺术创作过程中,要把主观的情思投入到客观的对象中去,把客体之神与主题之神融合为“传神”的,完美的艺术形象.离开了“迁想”,离开了艺术家的主题意识是不可能获得传神的艺术形象的.谢赫所著的《古画品录》作为第一个体系比较完备的画论,提出了“六法”,即气韵生动,骨法用笔,应物象形,随类赋彩,经营位置,传移模写.随后中国绘画理论发展相当夯实,唐代朱景玄的《唐朝名画录》提出“逸”“神”“妙”“能”四品作为中国审美评判标准；北宋黄休复的《益州名画录》在此基础上奠定中国“逸格”地位.齐白石老先生说的“太似为俗媚,不似为欺世,妙在似与不似之间”.清代花鸟画家恽南田说“古人笔法渊源,最最不同处最多相合”.《画耕偶录》沈宗骞说“凡物得天地之气以成者,莫不各有其神”.
三、“形色”和“神”在绘画意象中的互动
1.笔者所说的“形”是指花卉的形态变化,“色”是指花卉从盛开到逐渐枯萎的颜色变化,不仅仅是颜色的沉淀,还有“神”,即指生命状态在不同时期所呈现的不同美感,在画面中呈现的一种意境,着眼于物象自身的精神和质感的描绘.
2.宋代的花鸟画,对客观物象的观察和描绘已丝丝入微,重“格物、穷理”,在线的表现上,运用得也极见功力.在许多宋画中,其意境的把握、构图的推敲和技法的精深都是令人為之汗颜的.在《栀子蝴蝶图》中,用线极富弹性,长线流畅舒展,节奏感分明,既合乎自然的规律又不呆板.这就是“形色”在通过客观视觉的观察,加入主观的处理,使得画面丰富灵动.而“神”则是这幅画的“眼睛”,除去物体的质感来说的物象精神与创作者的情思.在西方印象派画家的眼中,追求的是瞬间的视觉感受,不仅仅停留在对客观物象的外在描绘,而是阳光照耀下的生命形态.
3.中西绘画经过历史长期积淀而成为世界文化瑰宝.中西方绘画都是以各自不同的文化历史背景为前提下发展的.由于各自文化背景、历史渊源、审美特点和材料技法的不同,最终呈现出不同的风格特色.西方绘画中,也有很多有价值的东西,比如空间的运用,色彩的关系,对物体结构的把握等都是值得我们去研究并运用的.中国传统绘画有其独特的审美意趣、画面意境和构图特点.同样,时代在变,人的美学观念及对审美特点也随之改变.所以,我们不能偏守一隅.石涛语录中说：“笔墨当随时代”.一方面,我们需要大量阅读专业理论知识,博取众长,能够以理论指导实践,提升自己创作的深度和表现语言.另一方面,我们不仅要从纵向来了解美术史,还要关注国内外优秀艺术家的创作动态,及时更新自己的知识库.总而言之,我们不能固守传统“闭门造车”,既要学习继承传统也要追求时代性.
（责任编辑：牧鑫）
参考文献：
[1] 郑午昌著《中国画学全史》 [M].上海：上海古籍出版社,2001.
[2]傅抱石著《中国绘画理论》 [M].南京：江苏教育出版社, 2005.
[3]王岚编著《花鸟篇 两宋部分》[M]. 沈阳：辽宁美术出版社,1999.
总结：评论,这是适合绘画论文写作的大学硕士及关于艺术和美术本科毕业论文，相关艺术和美术开题报告范文和学术职称论文参考文献.
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